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Nel grande stato di Panem, a memoria di un’antica rivolta soppressa nel sangue, ogni anno prendono vita gli Hunger Games: un mortale reality show al quale sono costretti a prendervi parte due ragazzi per ciascuno dei dodici distretti, a sollazzo degli abitanti della capitale. Uno solo resterà in vita, in una lotta di sopraffazione e sopravvivenza. In uno dei distretti più poveri, la sedicenne Katniss si offre volontaria per salvare la vita alla sua sorellina Primrose. Forse, quest’anno, il dodicesimo distretto avrà un vincitore.

Questo l’incipit del film campione di incassi sbarcato il pimo maggio in Italia nelle sale: Hunger Games, diretto da Gary Ross. Tratto dall’omonimo romanzo di Suzanne Collins, questo film in apparenza si rivolge al target (ormai rodato) dei giovani adulti, sulla scorta dei successi di Harry Potter e Twilight. Alla proiezione però ci si accorge ben presto di essere di fronte a qualcosa di diverso, che coinvolge nel profondo spettatori di tutte le età, anzi, in particolare quello adulto.
In questo densissimo film (poco meno di due ore, così intense ed incalzanti che sembrano durare giorni interi) sono infatti presenti sfumature che solo un occhio più maturo può recepire ed apprezzare: degli spietati Hunger Games emerge non solo l’insensatezza della crudeltà gratuita e senza scopo, ma anche il gusto del sadismo, del voyerismo, del piacere morboso nel veder soffrire gli altri (in questo caso di un gruppuscolo di giovani terrorizzati che cercano di salvarsi la vita nonostante i furbi e gli addestrati ad uccidere), l’iniquità sociale, la strumentalizzazione dei sentimenti, la necessità di essere unici, di farsi ricordare per sopravvivere in una spettacolarizzazione della vita e della morte.
Apprezzabili comunque anche le altre chiavi narrative, quali l’aspetto sociale (la rivolta dei distretti poveri nei confronti della capitale, sfumatura appena presente in questo film ma che si svilupperà in modo più ampio nei prossimi episodi), l’aspetto avventuroso/violento (ottimo l’espediente già noto della telecamera a mano per le scene più concitate e cruente, in un gioco ancora più angosciante di visione ed intuizione della violenza) e l’immancabile, sigh, aspetto romantico, che in questo caso viene almeno proposto in un’accezione del tutto originale ed interessante.

Ottima la regia, che come detto ha saputo concentrare in poco tempo una quantità di eventi con una tale efficacia da catapultare lo spettatore nel tempo della storia, distogliendolo dal reale passare del tempo, come solo i grandi registi sanno fare.
Ottima la scelta degli attori, brillante Jennifer Lawrence, ormai osannata in tutte le occasioni, molto adatta e credibile nella parte della giovane guerriera, trasmette bene tutta la vasta gamma di sentimenti che Katniss prova. Un personaggio decisamente sfaccettato, questo, che lascia molti spunti aperti e sospesi, vitale, forte e al contempo fragile, mai banale o prevedibile.

Desideriamo aprire una piccola parentesi riguardo quello che ormai sembra infiammare nel profondo tutti i recensori in questi ultimi mesi: la somiglianza tra Hunger Games ed il meno noto e più crudo omologo giapponese, Battle Royale. E’ inutile fare mistero del fatto che l’idea fondante di Hunger Games non sia particolarmente originale: prima e dopo Battle Royale questa è stata infatti sfruttata più o meno indirettamente dalla cinematografia e dalla letteratura internazionale di genere. C’è da dire però che effettuare un paragone tout court tra HG e l’opera giapponese sia quantomeno semplicistico e superficiale. Senza dubbio Battle Royale è molto più incentrato sulla violenza, sulla crudezza senza esclusione di colpi nè censure, cristallizzando i personaggi in riconoscibili stereotipi.
Lo scopo di Hunger Games invece non risiede nella violenza, e non vi indulge più del necessario, perchè i suoi scopi sono altri: attraverso il gioco e la crudeltà gratuita mostra un mondo gretto e conformista, mette in luce gli aspetti sociali e psicologici della morbosità, della violenza vista dal di fuori, al sicuro, della sopraffazione, della mera crudeltà. In Hunger Games i tributi sono, infatti, solo pedine anche quando sono carnefici, perchè vittime, tutti, di un sadico volere superiore.

In attesa di leggere l’intera opera della Collins, consigliamo vivacemente la visione di questo film, che vi rapirà per due ore ma saprà lasciarvi qualcosa, dentro, che probabilmente sarà amaro e profondo, sulla nostra vita e la società e che saprà turbarvi molto più a lungo.

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La ragazza di fuoco.
Il canto della rivolta.

Ok, lo confesso. Quando mi è stata data l’opportunità di leggere e recensire questo libro, mi sono messa a saltellare in giro per casa ululando “E’ Natale!” Non scherzo, ci sono i testimoni.
BioShock è senza dubbio una delle serie videoluche che preferisco, non tanto dal punto di vista del gameplay quanto per la storia che racconta. Nei due episodi il giocatore viene a contatto con un mondo fantascientifico e appassionante ambientato in una superba città sottomarina, Rapture, ormai vittima della rovina e della decadenza.
Gli indizi e le testimonianze di un glorioso e sinistro passato si susseguono durante il gioco, e danno profondità e credibilità all’esperienza di gioco.

E’ qui che si colloca questo superbo romanzo di John Shirley, Rapture. Nel libro viene raccontata la genesi del sogno visionario di Andrew Ryan, magnate dalle umili origini arrivato alla gloria e alla ricchezza con le sue sole forze. Alla fine del secondo conflitto mondiale e davanti alla minaccia di un olocausto atomico, Ryan decide di costruire questa sua visione di liberismo e libertà personale ed economica: una città protetta dall’oceano, nella quale ciascun individuo potrà essere fautore della sua ricchezza. Nessuna legge, nessuna tassa, nessuna pastoia legale o morale, nessun dio, solo l’uomo.
Davanti a questa allettante prospettiva si sviluppano quindi innumerevoli storie di uomini e donne che accettano Rapture come un dono, una prospettiva di vita migliore.

Ma, come si può immaginare, una situazione del genere non brilla certo per stabilità, ed infatti ben presto Rapture si trasformerà in una polveriera, con le forze di Ryan da una parte e quelle di Frank Fontaine, truffatore incallito, dall’altra a contendersi il controllo della città e delle sue ricchezze. In mezzo, come sempre accade, si troverà la gente comune, raccontata attraverso gli occhi buoni e onesti di Bill McDonagh, che sarà testimone delle iniquità e del rapido decadimento dell’utopia.

Un romanzo di questo genere si prende carico di un compito difficilissimo: scrivere la nascita di Rapture e di un mito videoludico, ricco (anzi trabordante) di indizi, riferimenti, informazioni, personaggi, che come tante tessere di un puzzle vanno a delineare un quadro complesso e articolato, che il romanzo si propone di comporre ed ordinare.
La storia risultante è appassionante, ben oltre quello che Bioshock lasciava immaginare.
Il lavoro di reperimento delle informazioni è stato magistrale, degno della genesi di un romanzo storico: le citazioni vengono riportate fedelmente ed inserite nel loro contesto, i personaggi hanno i nomi e i volti che abbiamo imparato a conoscere ma grazie al romanzo acquistano una voce, uno spessore ed un carattere che li rende vividi, realistici, vibranti in tutti i loro difetti e debolezze. I tratti distintivi che amiamo in BioShock ci sono tutti, in grande abbondanza: i luoghi, le torrette di sicurezza (mi sembrava di sentirne i loro allarmi irritanti), gli annunci agli altoparlanti, i cartelli art décò e ovviamente i ricombinanti, i plasmidi, i Big Daddy e le sorelline. Un meraviglioso lavoro di intarsio, in cui ogni singolo pezzo va a posto, disegnando un quadro fanta-sociopolitico di rara bellezza e complessità.

Insomma, un romanzo che non deluderà le aspettative (legittimamente alte) degli amanti di BioShock e che piacerà moltissimo a chi non conosce il titolo e che, senza dubbio, li incuriosirà.
Un libro irrestitibile, assolutamente consigliato.

Recensione scritta da Sayu

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Quante volte, davanti all’ingiustizia e all’iniquità, abbiamo pensato che sarebbe bello che la ruota girasse anche per gli arroganti e che il Fato, o il karma, li facesse diventare creature minuscole, neglette, povere di mezzi e di spirito, per pareggiare i conti?
In questo piccolo libro di Silvana De Mari, La bestia e la bella, accade esattamente questo, come solo nelle grandi e semplici fiabe può succedere.

Un principe, arrogante, antipatico ed ingiusto con i più poveri del suo regno, viene inspiegabilmente trasformato in un cane. Non uno dei suoi altezzosi cani da compagnia o i suoi potenti cani da caccia, bensì in un botolo pulcioso, di razza indefinita, e nemmeno tanto bello.
Da quel momento si troverà quindi solo e abbandonato al freddo e al gelo, scacciato da tutti come lui stesso scacciava i bisognosi dalla sua vista, finchè qualcuno di insospettato, proprio grazie alla sua condizione di cagnolino, gli darà una lezione di vita che lo cambierà nel profondo.

Non si può certo dire che questa favola sia particolarmente originale o stupefacente, in fondo per qualunque adulto è semplice immaginarne il finale. Il valore aggiunto è costituito dall’abilità della De Mari, che già abbiamo rilevato nel suo pregevole L’ultimo orco e che qui da il suo meglio proprio per rendere unica una storia delle più semplici.
La De Mari scrive “di pancia”: si lascia trasportare dal racconto, con l’eloquenza dell’istinto, al punto da far sorridere spesso il lettori in molti passaggi. Ma di istintivo non c’è niente, anzi: l’esperienza da psicologa si esplica anche in questo volumetto, scegliendo similitudini e sfaccettature dei personaggi che li rendono veri, vividi, pensanti, con sentimenti veri. In una parola, umani, in cui ciascuno può riconoscere le proprie debolezze.
Consigliamo questa favola a tutti: ai bambini, alle loro mamme, a tutti quelli che si arrabbiano davanti alle ingiustizie e che vorrebbero che la gente imparasse a riconoscere i propri errori e a diventare delle persone migliori.

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Il grande terremoto del 1980 che colpì l’Irpinia e fece tanti danni e tanti morti in Campagna e Basilicata, fece scomparire anche un piccolo paese, ignoto ai più, dall’esotico nome di Palmira. Si reca sul posto un’antropologa, per documentare la realtà locale del disastro. Invece di trovare la disperazione che ha già visto più volte in scenari simili, incontra un falegname, Mastro Gerusalemme, che sta realizzando i mobili per una futura sposa, Rosa Consilio, l’ultima sposa di Palmira. Attraverso un intarsio e una visita al paese distrutto, Mastro Gerusalemme racconta storie al limite del surreale, del fantascientifico e del pagano, che hanno popolato Palmira e i suoi abitanti di superstizioni, riti scaramantici e misteri.

L’ultima sposa di Palmira di Giuseppe Lupo racconta, con uno stile che definiremmo quasi desueto, una storia fatta di misteri e credulità popolare che ci fa ricordare La casa degli spiriti della Allende, forse portato ancora più all’estremo.
La cura e la scelta di ciascuna espressione traspare da ogni pagina: nessuna parola è stata lasciata al caso, anche la scelta di vocaboli di marcata “meridionalità” manifesta una scelta ponderata e voluta, che serve ad avvolgere il lettore nelle spire del tempo, portandolo indietro, facendogli credere di leggere un romanzo dei primi del ’900 invece di un testo moderno. Stride, infatti, rendersi conto che il testo è ambientato solo nel 1980, e fa quasi storcere il naso leggere di oggetti e concetti moderni.

In questo libro a farla da padrone è certamente lo stile, come detto, e senza dubbio questi episodi così particolari fanno sì che la lettura non sia mai monotona o prevedibile. A parte questo però, questo libro ha un po’ poco mordente, poco ritmo, forse perchè non ha una vera e propria evoluzione, bensì racconta uno spaccato di vita inframmezzato di racconti che fanno parte di uno stesso contesto ma che riescono poco a formare un tutt’uno organico.
La lettura è lenta, meditativa forse, ma con poco sprone per proseguire.
Nel complesso non si può certo dire che sia un cattivo libro, ma forse è dedicato a palati adatti, che ricercano storie immaginifiche di vecchio stampo, che amano perdersi dietro chimere e antichi fuochi fatui.

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Il Nero torna al suo paese natìo, Ginepre, reduce dalle batoste della vita ricevute in quel di Roma. Lì prende gestione del locale commissariato e ben presto si trova a dover riaprire il caso dell’omicidio di quattro ragazzi suoi coetanei e amici brutalmente uccisi vent’anni prima durante una festa sulla spiaggia per il quale non fu mai trovato un colpevole. Tra piatti di pesce in compagnia, ricordi di gioventù e indagini a volte con mezzi un po’ amatoriali, il Nero e i suoi amici riusciranno a far chiarezza su un mistero che ha attraversato la loro gioventù, il loro piccolo paese e le loro vite.

L’umore del caffè è il romanzo di esordio del toscano Marco Miele, un giallo leggero, ironico, molto influenzato dall’ambiente in cui si svolge la vicenda che è poi la terra dello stesso autore, che riesce a trasmettere in modo a nostro parere efficace quella certa aura scanzonata tipica dei toscani.
La struttura della trama è piuttosto ben pensata, la tempistica degli eventi è ben calibrata ed il grado di mistero viene dosato con efficacia lungo tutto il romanzo, mantenendo viva l’attenzione del lettore. I personaggi sono vari e tridimensionali, piacevoli nelle loro caratteristiche peculiari, si descrivono efficacemente da soli, con le loro stesse parole e le piccole manie. Particolarmente ben riusciti sono gli amici stretti del Nero, in entrambe le versioni giovani e mature, mentre i personaggi a corollario, come i colleghi del protagonista ed alcuni elementi più a margine, sono molto meno definiti e quindi risultano incolori accanto agli altri.
La pecca fondamentale di quest’opera è la completa mancanza di editing, del quale avrebbe molto bisogno per correggere in particolare la punteggiatura, del tutto arbitraria.
Anche la costruzione dei periodi spesso è farraginosa e il ricorso al regionalismo in alcuni passaggi è talmente marcato che risulta quasi impossibile capire l’effettiva dinamica senza rileggere almeno un paio di volte la porzione di testo. Il tratto più importante dell’apertura del romanzo, la descrizione dell’aggressione dei quattro ragazzi, è così confusa e senza pathos che rischia di non catturare adeguatamente l’attenzione del lettore.
L’umore del caffè è senz’altro un buon tentativo per questo scrittore alla prima fatica, che dimostra un potenziale grezzo ma concreto, che con un po’ di cura maggiore e magari l’aiuto di un lettore professionista potrebbe esprimersi al meglio, con buona soddisfazione per autore e lettori.

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Nello scenario post apocalittico proposto da Metro 2033 di Dmitry Glukhovsky, i riflettori si sono spostati a sud, in Italia. La terra del sole si è trasformata in una landa desolata sferzata dal vento gelido e dalla neve. Piccole comunità si sono conservate, più o meno in salute, spesso grazie alle antiche città fortificate le cui mura hanno ripreso la loro originaria funzione. Nella città eterna, cuore pulsante della storia e della fede, i superstiti si sono rifugiati nelle catacombe di San Callisto e lì hanno fondato il Nuovo Vaticano. Il soglio pontificio è vacante da 20 anni, e la credibilità della Chiesa inizia ad essere sensibilmente in pericolo. Il cardinale camerlengo quindi invia padre John Daniels all’esterno, in una missione che ha dell’incredibile: arrivare fino a Venezia e convocare a Roma il Patriarca, l’unico esponente della Chiesa di Roma in carica.

Tullio Avoledo ha realizzato con successo il capitolo italiano del grande progetto di Metro 2033 Universe, Le radici del cielo. Un romanzo molto affascinante, nel quale l’autore ha riversato tutto il suo talento visionario. Lo scenario è molto meno claustrofobico di Metro 2033, in quanto solo una parte piuttosto limitata dell’azione si svolge sottoterra, mentre il resto si snoda, al contrario, in viaggio. Le circostanze ambientali sono quindi le più varie: i protagonisti si troveranno a fronteggiare pericoli senza nome su strada, all’interno di palazzine ed edifici medievali, che non mancano di certo nel territoio italiano centrale ed intere cittadine, abitate dalle più bizzarre creature.
La storia viene narrata in prima persona dal protagonista, padre John Daniels, che si trova ad affrontare questo viaggio alla scoperta, di fatto, di come si è evoluto il sentimento di fede religiosa dopo la catastrofe. E’ infatti questo il punto focale del romanzo, studiare il futuro distopico della religione, quale forma avrà, se le credenze moderne riusciranno a sopravvivere o se ne verranno adottate di nuove, dopo che saranno state messe alla prova dall’avvento della paventata Apocalisse.
Avoledo riesce perfettamente nell’intento di congetturare queste forme di culto, disegnando scenari crudi e credibili. Di contro, moltissimi e variegati altri spunti interessanti non vengono colti, lasciando la sensazione nel lettore di essersi perso qualcosa che avrebbe potuto arricchire lo scenario di una profondità ancora maggiore.
Gli aspetti horror della storia indulgono volutamente nella crudezza, con dovizia di dettagli, con l’intento di sconvolgere il lettore ma manifestando piuttosto una certa ritualità che non riesce sempre a cogliere l’immaginazione del lettore lasciandolo spesso indifferente.

Nel complesso comunque Le radici del cielo costituisce una lettura appassionante, dinamica e ricca di colpi di scena, scritta con indubbia maestria (strizzando l’occhio agli stili più graffianti d’oltreoceano anche attraverso battute molto cinematografiche e citazioni più o meno velate di grandi classici della fantasy e della fantascienza), che si inserisce con efficacia all’interno dell’universo distopico post pocalittico che ormai stiamo imparando a conoscere.

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Bloccato in coda alle poste. Una coda che sembra non finire più, un’attesa che ben presto si dilata all’interno della sua mente, prendendosi tutto, scatenando la fantasia come unica via di fuga per non impazzire.

Noia, di Fra Bwaffete, è un breve romanzo che nasce da una serie di microracconti prodotti in momenti e con stili ed argomenti diversi, riuniti tutti sotto il cappello dell’evasione mentale del protagonista, in coda per il suo turno allo sportello delle poste. Anche in questo caso (come abbiamo riscontrato nella lettura del primo romanzo Racconto di fine storia), le potenzialità dell’autore ci sono tutte, sebbene nuovamente la necessità di editing sia evidente, in particolare per rendere più coesa questa raccolta episodica.
Il concept su cui si basa quest’opera è piuttosto originale, lo stile ironico e a volte un po’ crudo ben si adatta con l’intenzione del racconto, manifestando fastidio, insofferenza, pesantezza mentale.
I microracconti di cui è composto, che altro non sono che i viaggi di fantasia del progonista che cerca di prendere le distanze dall’attesa, sono brevi flash, attimi di violenza immaginaria, sogni ad occhi aperti, incontri piacevoli o al contrario terribilmente spiacevoli, caratterizzati da uno stile eterogeneo. Proprio perchè scritti e pensati in momenti diversi, probabilmente un lavoro di rifinitura all’opera avrebbe dato una spinta maggiore all’eloquenza dell’autore.
In buona sostanza si tratta di una lettura veloce e piacevole, che evidenzia il potenziale dell’autore, sebbene ancora un po’ acerbo.

Matteo apre gli occhi in ospedale, e non si ricorda più nulla, nemmeno di chiamarsi Matteo. Ben presto il giovane scoprirà di essere stato un efferato serial killer, un pluriomicida spietato e sadico. Nell’arco degli anni successivi scoprirà sempre più cose del suo passato, fino a rivelare la verità più sconvolgente.

Racconto di fine storia è il titolo di questo racconto del giovane autore sotto lo speudonimo Fra Bwaffete. Potremmo riassumere la nostra opinione così: questo breve romanzo senza dubbio ha verve. Sebbene bisognoso dell’intervento intelligente di un editor, questo giovane autore rivela del potenziale, creativo e stilistico.
La storia innanzitutto si fonda su un concept non originalissimo ma sempre accattivante come la perdita della memoria, declinata in un’accezione thriller piuttosto interessante. Nel complesso l’autore riesce a mantenere un ritmo serrato, mantenendo alta l’attenzione del lettore, sebbene in alcuni passaggi un po’ più movimentati la dinamica delle azioni risulta un po’ confusa.
Lo stile probabilmente costituisce il punto di svolta di questo romanzo: per quanto acerbo, l’autore dimostra un uso attento delle parole e del moto di spirito. Una storia di questo tenore poteva essere raccontata in molti modi, uno più pomposo e pretenzioso dell’altro, in virtù dei grandi classici del thrilling di consumo. Fra Bwaffete invece condisce la narrazione in strettissima prima persona con battute, considerazioni del protagonista, epiteti ed un pizzico di turpiloquo, tutto dosato in attenta misura e mai in eccesso, rendendo la lettura veloce e piacevole.

Come accennato, questa piccola opera risente un po’ dell’inesperienza dell’autore e soprattutto della mancanza di editing professionale, che avrebbe innanzitutto evitato i refusi e corretto alcune lacune di punteggiatura, ma soprattutto avrebbe rifinito l’opera, evidenziando i passaggi più problematici, da ampliare, chiarire ed approfondire, l’uso di sinonimi più ritmici (e forse anche l’abuso nella parte iniziale della parola “fottuto”).

In linea di massima però i punti deboli di quest’opera possono attribuirsi senz’altro all’inesperienza e non all’incapacità dell’autore, che invece dimostra di sapere il fatto suo, di essere uno scrittore in erba che, con un po’ di esercizio potrà raffinare il proprio stile e diventare, perchè no, un autore di tutto rispetto.